泰山少儿书画院
第一大优势是
     规模大、档次高、课程全。 莱芜童画.泰山是目前莱芜市规模最大,档次最高,专业性最强的少儿美术教育机构,基地专为3—18岁少年儿童开设各类绘画启蒙、油画、版画、素描、色彩、国画、书法、手工、DIY、动漫等课程。
第二大优势是
    理念先进、 教学规范、成绩突出。 泰山少儿书画院以先进的教学理念、规范系统的教学体系和国际化视野,培养少年儿童步入一个丰沛的,睿智的艺术人生。莱芜童画现为中国艺术教育十大名校,中国校外教育百家名校,中国艺术教育特色学校,国家教育部中国书画等级考试莱芜定点考级单位,中国青少年人才研究中心莱芜唯一基地,中国儿童画教育百家园校,中国儿童书画教育百家学校,山东省优秀少儿艺术教育基地,童画莱芜四星级教育基地。
第三大优势是
    教学环境优越、艺术特色浓厚。 泰山少儿书画院营造了富有艺术特色的环境,让环境说话,让环境传递艺术信息。学生及家长可以直接通过教学的环境来感受我们“怎么教”、“教什么”?都和环境有密切的联系。舒适、安静、明快的色彩,有丰富、新鲜、多元的视觉元素加上童画.泰山少儿书画院的灯具、电脑、投影、桌椅等配套设备和各类装饰物件的安装,各类专业艺术书籍资料、纸张与绘画笔等手工材料的陈列,都具备儿童人体工程学的人性化设计,为儿童营造一个充满快乐、艺术的学画环境。力争做到“四性”:即艺术性、教育性、互动性和展示性 。
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青年艺术家推介系列展(一)“不确定的未来”申晓舞作品展

2013-7-17 10:50| 发布者: admin| 查看: 1147| 评论: 0

摘要: 青年艺术家推介系列展(一)“不确定的未来”申晓舞作品展 zlt201307280152.jpg 下载附件 保存到相册 2013
青年艺术家推介系列展(一)“不确定的未来”申晓舞作品展
       当代,在艺术家普遍选择迎合公众趣味、讨好部分人(比如画廊老板、私人藏家、艺术评论家)的情势下,仍有艺术家坚信:艺术首先是个人的,然后才是公众的。我想,作为艺术家,尤其是作为对艺术创作有深度体验的艺术家,他必然会从捍卫“个体性”入手。
时代的车轮滚动到今天,人不得不明白、面对一个现实真理:人注定是狭隘的经验论者。人只能通过个人(自我)的、有限的具体方式表达、认识。“超验”只不过是人的一种特别的追求。艺术家更是如此,他们也只能通过有限的具体方式“言说”。很多艺术家关心“当代性”,讨论“当代艺术”。在我看来,“传统艺术”、“现代艺术”、“后现代艺术”、“当代艺术”等,皆是艺术理论家、艺术评论家、艺术史家为了描述(记录)艺术而作的区分,虽然其有“谱系”,也有价值。但倘若艺术家将其视作艺术创作的依据甚至至高追求,那么其必然会迷失自我而最终在艺术实践方面一事无成。试问问,倘若一位艺术家真正做到了“真诚”、“敏锐”等,难道他创作的作品会不属于“当代艺术”?所以,重要的是真诚、敏锐等。
熟悉艺术史的人皆知道,不论是古代的,还是现代的,不论东方的,还是西方的,凡有突出成就(巨大贡献)的艺术家(那些画家、书法家、雕塑家、工艺家)都有他们专注的领地。比如画家,都有自己擅长的东西——题材也好,表现技法也好。那些艺术家似乎只表现自己擅长的、感兴趣的、熟悉的、自己认为有价值(值得表现)的东西。或许,当代的艺术家在很多方面(尤其是那种纯粹、投入、专注的精神)应该学学古代大师。因为,在我看来,当代的艺术家在浮躁的大环境里太容易迷失了,很多人不知道自己擅长什么,自己对什么感兴趣,更可怕的是没有目标、追求,盲目创作那种别人告诉他的貌似流行的“当代艺术”。
       申晓舞的作品一点也不做作。看到他创作的一系列人物画,人们或许有此感受,在一个求新求变、信奉暴力的时代,朴实、真诚依然有力量。他创作的作品压根不是很多人四处大加谈论的所谓的“当代艺术”,而只是一批人物画。但是这批画打动了很多人,当然也打动了我。“打动”这一点是当下流行的一系列观念艺术、装置艺术、行为艺术、新媒体艺术的“死角”。当下流行的那些所谓的“当代艺术”太不能打动人了。表面上给人“晦涩”、“难以理解”等感受,实际空洞无物。这也让人时不时反思一下,愈来愈向高科技、哲学思潮、时尚看齐的很多人所鼓吹的所谓“当代艺术”是否已经迷失。倘若人们承认艺术是一门古老的手艺,倘若人们认为只有艺术家独立的、真诚的、敏锐的精神能真正给予艺术以力量,那么,我们需要回溯起点,重新上路。“求新”、“求变”是艺术的真正目的吗?我表示怀疑。
       看到申晓舞创作的一系列人物画。我想起俄国大文豪列夫·托尔斯泰关于艺术的看法。他认为艺术是情感(感情)的传达,“人们用语言互相传达思想,而人们用艺术互相传达感情”,“在自己心里唤起曾经一度体验过的感情,并且在唤起这种感情之后,用动作、线条、色彩,以及言语所表达的形象来传达这种感情,使别人也能体验到这同样的感情——这就是艺术活动”。[[1][俄]列夫·托尔斯泰:《艺术论》,丰陈宝 译,第46~47页,人民文学出版社,1958年版。][1]申晓舞的作品很显然是他最真实情感(感情)的传达。人们之所以能被其深深打动、感染,就是因为那与线条、色彩合而为一的真实情感(感情)。他以一种忧郁的、单纯的方式试图唤起人们关于一种特殊情感(感情)的记忆,进而激起思索。这种感情首先是申晓舞个人的深刻体验,然后是作为边缘群体的部分青年的生存体验的表现。传达情感(感情),这是艺术的永恒主题之一。不止列夫·托尔斯泰持这样的看法,就法国作家福楼拜、法国画家亨利·马蒂斯也有类似的观点,“正如法国小说作家福楼拜在1864年的一封信中写道,‘艺术没有其他的结局,为了人的情感,为了祈求驱赶重负和苦痛’;同时亨利·马蒂斯称绘画为‘精神上的抚慰者’。然而所有这些被改变了。如斯坦伯格提醒我们的,‘当代艺术的本质就是表达这个世界的重压、焦虑和紧张,因为艺术被假定为生活的镜子’。”[[2][英]迈克尔·苏立文:《20世纪中国艺术与艺术家》,陈卫和钱岗南 译,第21页,上海人民出版社,2013年5月第1版。][2]传达情感(感情),那喜欢、愤怒、悲伤、恐惧、爱慕、厌恶等,包括希望与绝望。“驱赶重负和苦痛”、“抚慰精神”、“表达这个世界的重压、焦虑和紧张”……重负和苦痛源自何处?这个世界何以充满重压、焦虑、紧张?申晓舞的艺术实践既是对自我重负和苦痛的驱赶,也是一种自我抚慰,同时是对这个世界中人所承受的重压、焦虑和紧张的表现。他所采取的不是一种激烈的表达方式——类似当代艺术中的“批评性艺术”的那种批评的方式,而是一种近乎抒情的、内心独白的、忧郁的、感伤的方式。其画面皆为灰色调,笼罩着淡淡的忧伤与哀愁。
  
       廖上飞当代,在艺术家普遍选择迎合公众趣味、讨好部分人(比如画廊老板、私人藏家、艺术评论家)的情势下,仍有艺术家坚信:艺术首先是个人的,然后才是公众的。我想,作为艺术家,尤其是作为对艺术创作有深度体验的艺术家,他必然会从捍卫“个体性
入手。
时代的车轮滚动到今天,人不得不明白、面对一个现实真理:人注定是狭隘的经验论者。人只能通过个人(自我)的、有限的具体方式表达、认识。“超验”只不过是人的一......。

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